舞台剧《繁花》终季热演，沪语戏剧引发本土文化“复兴”

第24届中国上海国际艺术节的热门演出之一，便是现象级舞台剧《繁花》三部曲·终季，正在美琪大戏院精彩上演。自2017年起，上海文广演艺集团宣布将茅盾文学奖得主金宇澄的同名小说以全景式的方式搬上剧场舞台，打造出国内戏剧界罕见的三部曲舞台大制作，引发广泛关注和热议。

9月初，随着终季演出的首轮开票，仅短短10分钟便实现了超过100万元的票房佳绩，剧组随即果断决定增开两场演出以满足观众的强烈需求。自2018年1月首演以来，话剧《繁花》不仅收获了百万级的关注，更积累了千万级的流量。这一现象的背后，标志着沪语舞台剧乃至上海本土文化的一次显著“复兴”。在这八年的时光里，不仅电视剧《繁花》成为了现象级的爆款，还有多部以“上海闲话”为特色的话剧和音乐剧相继登台亮相。 作为导演，马俊丰对于选择以三部曲的形式呈现《繁花》感到由衷的“庆幸”。随着观众们多年的关注与陪伴，这部作品已经成为了上海文化中一段不可磨灭的特别记忆。在剧组中，马俊丰常常不由自主地被《繁花》那朦胧而暧昧的气质所吸引，正是这种深入角色的“入戏”体验，激发了他创作的灵感与自觉。他深知：“在创作一部地域性的文艺作品时，我们肩负着帮助这座城市塑造文化形象的重要责任。”

《繁花》终季首演当晚，原著作者金宇澄照例出现在剧场。“这是三季以来，他唯一一次看完没有提任何意见。”马俊丰告诉记者。金宇澄曾评价，他最喜欢的便是舞台剧《繁花》的生命力，“它是我笔下上海的另一个原型”。从本季建组之初，金宇澄就在排练现场与主创们展开深度对谈，回溯创作源头，将角色背后的原型故事与时代背景细细拆解。第一季开始，舞台剧始终以“忠于原著”为创作核心，通过多层次叙事与视觉语言，将金宇澄笔下错综复杂的时空与人物命运娓娓道来。从小毛、阿宝、沪生、姝华、李李等主要角色的悲欢离合，到大自鸣钟、莫干山路、思南路等城市地标的时代蜕变，舞台以极具质感的布景、方言对白及年代符号，还原了小说中“上海的肌理与呼吸”。

“观众有时要平视，有时要仰起脖子看，就好像这个城市的格局。”演出开始前两个小时，记者与马俊丰坐在观众席，注视着庞大的“十二宫格”。继第一季以转台装置打造“流动的盛宴”，第二季以履带、车台等装置展现“匆匆的过客”之后，终季突破性地采用十二宫格“众生相”的形式，串联起弄堂与都市。一格一浮生，平凡的人们在一个个小舞台里生活、相遇、告别。每一个既象征着安全的家，又好似是逼仄的格子间，将人限制在其中。在上海大剧院的地下排练厅排练时，剧组几乎1∶1地将十二宫格放置其中。“当时我们都无法确定这是不是一个正确的故事载体，直到它进入剧场，一个丰富、灵动的表演空间一下子就立了起来。”马俊丰说。

“在台上用上海话演戏，自然而亲切，语言本身就成了表演的一部分。”在《繁花》话剧中饰演“阿宝”的演员金珈，这样形容用沪语演绎作品的独特体验。如果说《繁花》的故事与人物是筋骨，那么方言台词便是鲜活的血肉。第一季落地前，剧组便有过是否要用普通话演剧的讨论。“当时最大的顾虑就是传播。”马俊丰告诉记者，“但一部用吴语写就的故事，如果不用方言来演绎，它的艺术质量会大打折扣。”金珈告诉记者，他和演员们曾尝试着用普通话演戏，但“完全行不通”，“语言节奏、语言态度，甚至人物关系，都变了味”。

起初，抱着“让上海在舞台上生动一次”的想法，马俊丰投入进了《繁花》剧组。如今，随着终季上演，他愈发相信“优质的文化样态可以塑造人们对于一座城市的想象”。首演当晚，马俊丰和演员们一同在剧场外进行SD(演职人员出入口，散场时演员们会从这里离开，与观众简短交流)环节，有热情的粉丝告诉他，自己看了50场《繁花》。观众的追随，一定程度上反映了沪语文艺作品甚至沪语演员的稀缺性，马俊丰坦言，“舞台剧《繁花》很难找到第二套班底”。

《繁花》的巡演之旅遍布大江南北，其足迹不仅覆盖了长三角地区，更向北延伸至首都北京，向南拓展至繁华的香港。在这场跨越地域的演出中，金珈印象最为深刻、也倍感压力的一场，无疑是北京站的演出。她心中不禁疑问：“有没有人看?看不看得懂?观众们的反响会如何?”然而，令人惊喜的是，演出效果远超预期，反响热烈。 在金珈看来，《繁花》之所以能够打动外地观众，在于其生动鲜活、具象化的上海生活状态。从弄堂里日常的烟火气，到人与人交往的独特腔调和节奏，都让观众感受到了上海这座城市的独特魅力。而更深层的是，这种特定状态所包裹的，是跨越地域的普遍人性内核。亲情、友情、爱情，以及普通人在时代变迁中的命运沉浮，都成为了观众共鸣的焦点，让《繁花》成为了一场连接心灵的演出。