从漫威疲软到作者电影撞车：全球影坛的＂创新焦虑症＂诊断报告

在第十五届北京国际电影节的盛会上，评委会主席姜文发表了引人深思的观点：“电影最令人担忧的是它们都过于相似……对于新加入的年轻人来说，最好避免模仿过去的电影。”这句话激起了众多观众的强烈共鸣。近年来，笔者与几位好友共同观察了包括国际A类电影节在内的各大电影节，发现了一个普遍现象：在交流过程中，人们常常不自觉地会将甲片与乙片、丙片混淆，对今年的电影节与去年的电影节也难以区分。即便是业内人士也难免陷入这种境地，对于普通观众而言，“相似”和“难以记住”的问题更是成为了观影的一大障碍。

话虽如此，电影作为大众艺术的一种形式，无疑是按照不同的类型来划分的，如武侠、科幻、爱情、刑侦等。每种类型都有其独特的剧情走向和元素组合，尽管它们之间存在着某些相似之处，但要做到从头到尾都新颖独特，毫无重复，既不现实也不必要。然而，一部真正优秀的类型电影，往往在保持了六七分熟悉度的同时，还能融入三四分的创新元素，使得观众既能轻松投入其中，又能留下深刻印象，从而在众多同类作品中脱颖而出。相反，如果一部电影过于拘泥于常规，缺乏新意，就很容易被淹没在大众之中，甚至遭到观众的厌倦。 近年来，曾经风靡一时的漫威超级英雄电影也遭遇了类似的困境。它们在观众持续追捧的情况下，往往不愿意轻易改变既定的故事框架和元素。这种做法虽然保证了故事的连续性，但也导致了“像”所带来的审美疲劳。这种腻味感在很大程度上影响了电影的受欢迎程度，成为了它们面临挑战的一个重要原因。

为了批评电影创作的跟风和流俗，法国批评家特吕弗曾提出“作者电影”的主张，后来人们以此表扬那些充分张扬导演个性的电影。不过，创作的跟风也随之而来：许多瞄准国际化艺术范儿电影节的个人创作，虽然看起来和类型片确乎不像，但在“我一定不像”这事上，它们又很像，以至于有时候，“不像”和“不像”撞车。比如，每出一位新的“作者”，必定马上会有人将其与影史大家比附，“此时或某地的某某尼或某某斯基”，类似修辞看得多了，时常感叹褒贬莫辨。

无可否认，在电影史和艺术史的广阔背景下，模仿与借鉴是一种普遍现象，它不仅构成了艺术传承的基石，更在历史的长河中留下了浓墨重彩的一笔。成龙在动作片中对巴斯特·基顿默片经典场景的致敬与重新演绎，既流露出对前辈的尊重，又注入了独到的创新精神;姜文在《一步之遥》的开篇，巧妙地复现了《教父》的经典场景，同时不忘留下自己独特的光影印记;邵艺辉的作品亦被广泛认为是对上世纪上海文华公司艺术风格的传承与发展。这种模仿与创新并存的现象，何尝不是一种艺术上的和谐与美?谁又能忽视创作者本身在其中的存在与价值呢?由此可见，问题的关键并不在于模仿与否，而在于模仿的同时是否能够保持自身的独特性。只有当模仿与原创的界限变得鲜明，我们才能看到一个真正强大的创作主体在艺术舞台上崭露头角。

随着北影节的落幕，紧接着迎来了“五一档”的上映。众多电影的主创人员都在寻求创新与变革，不过这些尝试可能尚未达到完全成功的境界。